觀看演出其實不是被動的，得經過大腦蒐集訊息、分析、重組，而後有了意義。而創造一齣成功音樂劇更是得經過一長串的「大腦運算」，從完成劇本、音樂，經過一次次讀劇，很多人參與檢驗與建議，修改、再讀劇、再修改，過程可能長達一兩年。

等讀劇成熟了，帶上簡單的佈景與走位就進入tryout試演，這時買家、投資者陸續加入，是藝術性、商業性、市場性、熟齡亦或全齡？行銷策略在此慢慢定位。在美國，tryout製作通常都會選在紐約以外的城市，像是芝加哥、波士頓，如果試演順利、資金到位，再進入完整的製作，再來一次大規模的試演，這回樂評、媒體、行銷團隊到場，票券上架預購，準備進軍百老匯劇院特區。

歌劇院從2019年開始打造音樂劇平台，藉由國外大型製作來臺，讓大家認識能商業操作，又富含藝術價值的音樂劇，到孵育國人創作，讓大家看到多元題材入戲。今年歌劇院的NTT夏日放／FUN時光系列節目，共有9個製作，包含7齣音樂劇，有趣的是，這些作品剛好呈現了音樂劇專業製作過程中，不同的階段呈現。

在角落沙龍舉辦的《當亞斯遇見人魚》讀劇音樂會，在初階部分內容讀劇之後，這次增加歌曲，進行全本讀劇。在小劇場的《手》和《請聽神明的話》兩齣製作，經過了全本讀劇階段，以小劇場的規模製作；《熱帶天使》則按百老匯製作流程，走過3次公開讀劇、1次音樂會，線上英語讀劇會，中型劇院規模製作售票演出（去年歌劇院中劇院3場完售紀錄），今年以嶄新製作重返大劇院。

中劇院的《 NEXT TO NORMAL近乎正常》從外百老匯的小劇場，演到百老匯的中型劇院規模，前後都獲獎無數，更拿下音樂劇史上的第8座普立茲戲劇獎；今年由活性界面製作買了百老匯的IP，在臺灣重製、英文演出，以原版音樂、劇本，重新詮釋，導演、製作都由國人一手包辦。《怪胎》則是來自電影IP，只保留故事及角色原型，其他的音樂、劇本、舞台等製作都是新創。

2009年上檔的韓國音樂劇《三劍客》，則是購買捷克同名音樂劇的音樂版權，重新創作以劇本及劇場製作，將一齣沈重的戲劇經過改編熱鬧登場，大獲成功，成為韓國音樂劇明星們成名的敲門磚。

7檔音樂劇7個題材6種製作軌跡，歌劇院的音樂劇平台不只提供多元題材的音樂劇，更希望讓音樂劇的愛好者在「看熱鬧」之餘，更能「看門道」！

此外兩齣「戲劇治療」的作品，新藝計畫的《一半，一伴》，談製偶師在失去摯愛之後，藉製偶面對悲傷、自我療癒；英國巴羅蘭德舞團的親子舞蹈劇場《老虎‧童話》以孩子的角度來看世界，《調皮的老虎》則特別為自閉症孩子創造自然親近、與陌生人互動的劇場製作。

夏日放／FUN時光系列一直都是為全齡觀眾設計的劇場展演，不管我們在人生的哪個階段、遇到了什麼樣的人生難題，都可以走進劇場獲得心靈療癒。去年規畫節目時，不知道何時能回歸正常生活，冥冥之中，我們端出了這樣一桌菜，剛好在疫情之後，迎向夏日的陽光。

雖然特地演繹精神疾病的戲劇作品仍算少見，但打從劇場作為表演形式以來，精神疾病和戲劇的關係長久而深遠。「異常」常常是文學、舞台和影視作品中關注的課題，近年來由於表演藝術的目的、形式與風格漸趨多元，精神疾病再也不是劇作家獵奇或同情的對象。取而代之的，是關於心理健康如何與表演藝術互相影響的對話。

事實上，精神疾病的「表演性」早就透過不同的觀看文化呈現在大眾眼前。從中世紀的獵巫、遊街的囚籠到大監禁文化的誕生。人們如何燒死無辜落難的女巫、指謫迫害街巷安寧的遊蕩者，甚至付費進入精神病院裡，像是逛動物園般訕笑手腳上了鐵鍊的病患，都是擁有「理性」的人企圖將自己與異常者區隔開來的做法，藉此證明自己的正常。這樣的做法，其實是文明人本身所進行的表演。

劇場人大概都不陌生莎士比亞筆下的精神失序者，歷史學者一般認為他大概受到從醫的女婿約翰・霍爾（John Hall，1575-1635）影響。從失去王國統治權力李爾王患的歇斯底里（hysterical passio當時被稱為母親病，the mother）到馬克白夫人的夢遊，和她想洗去幻想裡雙手沾染血漬的強迫行為，劇作家筆下的精神疾病和霍爾所宣稱的身體器質功能異常不謀而合。

有趣的是，莎劇竟然成為現代劇場中的治療工具。在英國劇作家艾倫・班奈特（Alan Bennett）的設計下，英王喬治三世在失去美國殖民地之後精神開始崩潰，御用皇醫們對時而暴怒時而胡言亂語的主子束手無策。直到遇見深諳神經系統的法蘭西斯・威列士（Francis Willis）醫生才有所好轉。威列士建議他到英格蘭北邊的療養院休養，嘗試多種非傳統的治療方式，其中一項竟然是讀莎劇《李爾王》。但這個巧妙的安排並非強調戲劇的治療功能，而是提醒這位傲慢的君王：他的權能並非至高無上。

直到今天，劇場和影視界描述精神疾病的製作已經數不勝數，但劇作家凝視疾病的角度早已不同。雖然仍然有許多作品企圖生動描繪憂鬱狀態、幻聽幻視、社會焦慮，乃至於自戕情節的真實性，但當代劇作所聚焦的更是精神失序的上游成因，像是90年代東尼獎經典《美國天使》中，被愛滋陰影綑綁的中產階級家庭、教會和政治人物，他們的憂鬱狀態並非劇本刻意凝視的對象，而是社會文化中各種扭曲偏見與壓迫形塑的副產品。

而2023年臺中國家歌劇院所推出的夏日放／FUN時光系列節目，是劇場界更晚近的嘗試。製作團隊重新聚焦精神疾病本身，藉此為身心遭遇不同程度挑戰的人士倡議、平權。在百老匯登場已經有15年之久的搖滾音樂劇《NEXT TO NORMAL近乎正常》講述的是一位生活於當代美國社會中，住在相對保守城市近郊的母親，如何與雙極情感性疾病共存的掙扎。《當亞斯遇見人魚》則是探討在網路世界中巧遇的兩個生命：患有亞斯伯格症的男孩，和肢體障礙的女孩，如何看到對方的耀眼之處，然後接受彼此的缺陷。《怪胎》演繹的角度也類似，由獲獎連連的同名電影改編，以一對戀人的互動過程詮釋兩個強迫症患者如何陪伴彼此。

近年來，不少國內外場館開始打造「輕鬆自在場（Relaxed Performance）」。這種特殊的演出方式旨在擴大劇場觀眾的年齡層範圍，同時也以接納身心障礙者為主要目的之一。雖然名為「自在」，內容以及技術的考量卻不簡單。除了必須小心定義劇場可接受的行為，考量是否有驚嚇、閃光等等容易引起身心反應的效果，還必須在表演之中斟酌增加解釋，方便理解力程度不同的觀眾吸收作品內容。這次，來自英國的親子舞蹈《老虎‧童話》針對自閉症孩童及其照顧者規劃專屬場次《調皮的老虎》，藉此達到身心障礙者的文化平權。

當然，藝術共融的概念絕對不限於特殊的觀眾社群。源自於希臘文的「κάθαρσις（catharsis）」通常譯為宣洩或導瀉，指的是情感的淨化過程，最先出現在亞里斯多德的著作《詩學》中，和悲劇的作用直接相關。佛洛依德將其與潛意識概念結合，定義其為「透過情緒的外在表達，消除或削減潛意識情結的過程」。在劇場中，透過故事敘說或是音樂、肢體的表達，觀眾的情緒被揭起，最終獲致平靜。由臺中在地團隊創作的偶戲《一半，一伴》描述一位失去愛人的製偶師在製偶的過程中學習與摯愛道別。值得期待的是，觀眾也在觀戲的過程中歷經、學習悲悼。

凝視異常，其實就是反省正常。精神疾病在藝術文本中的出現，實際上正是語言的擁有者用不同時代的理性解釋、區分出相異於「我」的策略。只不過時至今日，說書人的視角早已不同。舞台上以更細緻的方式詮釋出的精神疾病，其實是受苦者、治療者、陪伴者、表演者、觀看者和傾聽者所共同經歷的人類處境。《NEXT TO NORMAL近乎正常》的女主角，也似乎是所有觀眾進行心理投射的縮影。他們因為身心狀態所獲致的痛苦，經歷的惱人日常，遭逢的大小挫折，所有人終有一天也同樣會經歷。

在各種各樣疾病敘事中，我們常常可以發現，悲慟、苦惱、挫折並不見得是病者生命歷程的主軸。往往備受忽略的歡欣、希望、嘲謔，藉由表演藝術的轉化凸顯出來，也許是這些劇碼的附帶功能，讓我們能在交疊的視閾中，看見彼此的尋常生命狀態，欣慕彼此，進而擁抱彼此。

※ 註：器質性精神病（Organic Mental Disorders）指腦組織暫時性或永久性的功能障礙，所導致的心理與行為的異常，在人格、情緒、認知功能及社會、職業功能造成障礙。

說到音樂劇，大部分的人會先想到美國紐約百老匯及英國倫敦西區，很少人會想到離臺灣飛行時間僅兩小時的韓國，我也是如此。雖然我原就是音樂劇迷，但在接觸韓國音樂劇前，對韓國的印象也僅限於電視劇、K-pop、飲食等文化，從不知道韓國公演產業竟是如此興盛，也從來沒想過要去韓國看音樂劇。在大學畢業進入職場前，因緣際會下接觸了韓國音樂劇，從此深深被吸引，並展開了我的韓國音樂劇觀劇人生。

韓國音樂劇的興盛可以說是個奇蹟，但這個奇蹟絕非偶然。1961年，韓國首個音樂劇劇團「Yegreen樂團」成立，這算是韓國音樂劇的起源，1970至80年代是韓國音樂劇進入大眾化的時期，這時期多是直接將國外作品翻譯成韓語搬上舞台，1990年代起韓國開始重視原創音樂劇，並開始合法取得國外音樂劇授權製作授權音樂劇。2000年代韓國音樂劇產業迅速發展，被稱為韓國音樂劇的文藝復興時期。

2001年，於LG藝術中心首演的韓語版《歌劇魅影》是韓國音樂劇發展的轉捩點。韓語版《歌劇魅影》在當年沒有足量大型劇場的條件下，克服了演出檔期最長僅兩週的限制，在開館不到一年的LG藝術中心演出長達七個月，更在當時規模140億韓元的音樂劇市場，創下190億韓元的票房收入。韓語版《歌劇魅影》首演是透過縝密的市場調查及完善的行銷策略才得以成功，它展現音樂劇產業化的可能性，嗅到商機的大企業注入大量資金投資，並開始興建音樂劇專用劇場。

隨著專用劇場增加，韓國音樂劇產業以驚人的速度快速成長，時至今日，韓國也能做出如《英雄》、《科學怪人》及《笑面人》等媲美歐美的大型原創音樂劇，甚至輸出海外、改編成音樂劇電影。

在觀賞韓國音樂劇的同時，我也常常佩服韓國人的毅力與努力。在高度競爭的環境下，韓國製作公司可以說是竭盡所能地吸引觀眾進劇場，以具票房號召力的人氣音樂劇演員吸引音樂劇劇迷的目光；提供再刷優惠或集點卡來創造觀眾回流，進而成為所謂的「旋轉門觀眾」；以明星卡司吸引一般民眾進劇場，進而擴大音樂劇觀眾群，這些都是常見的行銷手法。

臺中國家歌劇院於2018年同時邀請韓國授權音樂劇《搖滾芭比》及韓國原創音樂劇《光的來信》來臺演出，讓觀眾不用出國也能縱情享受韓國音樂劇的獨特魅力。其中《搖滾芭比》打破第四面牆與觀眾互動，拉近與觀眾的距離，海德薇格用搖滾樂唱出自己的人生故事，觀眾在跟著海德薇格尋找自我的過程中，心靈也獲得慰藉。《光的來信》則是透過優美的字句及動人的旋律傳遞細膩的情感，魚雁往返的書信承載著精神寄託與想像，深深觸動觀眾心弦。

在歌劇院重磅邀請這兩部作品訪臺後，臺灣觀眾對韓國音樂劇的關注度明顯上升，而這次將於2023夏日放／FUN時光演出的《三劍客》也是韓國音樂劇的經典劇目之一。

音樂劇《三劍客》為捷克製作人奧爾德里希•利希滕貝格（Oldřich Lichtenberg）協同編劇盧•法納尼克•哈根（Lou Fananek Hagen）根據法國作家亞歷山大．仲馬（Thomas-Alexandre Dumas）同名小說改編，故事發生在17世紀的法國，來自法國南部加斯科涅的達太安（D’Artagnan）為了參加火銃隊而遠赴巴黎，偶然與著名的三劍客阿多斯(Athos)、阿拉密斯(Aramis)和波爾托斯(Porthos)結為生死之交，此外也與如天使般的少女康斯坦斯(Constance)墜入愛河。但是，一個無法預測的陰謀正等著達太安和三劍客……而接下來會發生什麼事，就由觀眾們進劇場來找尋解答吧！

由米哈爾．大衛（Michal David）負責音樂創作的捷克音樂劇《三劍客》，於2004年在捷克首演，韓國則在2009年取得授權以韓語版演出，並多次再演。韓國並非僅將《三劍客》捷克原版製作翻譯成韓語原封不動搬上舞台演出，而是根據韓國國情重新創作，以符合韓國人的情感，凝聚韓國觀眾的認同。

2013年，由2PM的Jun.K、2AM的昶旻、Super Junior的圭賢及F.T.Island的宋承炫主演的《三劍客》曾赴日本演出，在當時掀起一股音樂劇韓流熱潮。值得一提的是，韓語版《三劍客》首演的演員嚴基俊、劉俊相、閔永基及金法來憑藉著絕佳的默契及絕妙的演技，深受觀眾喜愛，並獲得「嚴劉閔法」這個愛稱。他們的友情甚至從劇中延續到現實生活，不但共同發行專輯，也時常一起開演唱會，成為音樂劇界代表的「真正的朋友」(실친)。

《三劍客》因時常有偶像參演，而成為許多K-pop粉絲的入門音樂劇，威秀影城也曾在2022年與韓國零時差直播放送，因此臺灣觀眾對《三劍客》並不陌生。而這次臺中國家歌劇院特邀韓語版《三劍客》來臺，讓粉絲們不再是透過銀幕，而是親眼觀看演員現場演出。

※ 註：旋轉門觀眾：指反覆多次觀看同一部演出的觀眾，形容觀眾如同走進旋轉門一樣，反覆進出劇場。

近年來，勁歌熱舞的音樂劇成為臺灣觀眾休閒藝文的新選擇。7月，兩齣精采的音樂劇：百老匯授權的經典名作《近乎正常》、臺灣電影改編的奇幻愛情《怪胎》，即將在臺中國家歌劇院散發迷人魅力。

2021年由紐約外百老匯授權、臺灣「活性界面製作」籌辦的英文音樂劇《I Love You, You're Perfect, Now Change》（暱稱LPC）於南村劇場演出，一票難求，2022年再度加演150場，場場爆滿，在臺中的巡演也擄獲了歌劇院觀眾的心。以幽默短劇呈現20個愛情故事的《LPC》，讓觀眾在笑淚間忘卻了都會生活的壓力，也讓隱身都市中的小劇場，彷若化身紐約一隅的小酒館。2022年，「瘋戲樂工作室」更將《LPC》在地化轉繹為臺灣中文版，連演45場。

不只《LPC》一再加演，2019年由瘋戲樂工作室推出的《臺灣有個好萊塢》，以六○年代台語片盛世為背景，講述時代男女的夢想與希望，歷經多次重演，累計了3萬人次的觀眾。勁歌熱舞的音樂劇，儼然成為臺灣觀眾休閒藝文的新選擇。

九○年代起，紐約百老匯和倫敦西區音樂劇大量輸出海外，但來臺灣巡演卻仍只是《歌劇魅影》、《貓》等幾齣。直到近年越來越多國人加入音樂劇創作，才慢慢有了突破，不但演出量增多，類型也更加多元，無論是進口、原創，首演、重演、重製，或華語、台語、英語、或甚客語演出都有。

瘋戲樂工作室創辦人，同時也是金鐘獎得主王希文說：「假如以咖啡文化來比喻音樂劇在臺灣發展的現況：百老匯原汁原味來臺演出，就好比外國人在臺灣經營星巴克的直營店，授權由臺灣製作的演出則是『取得配方』的加盟店，原創的音樂劇就是各種獨家風味的『手沖咖啡』，各種形式都有它存在的必要。」

集體發功 只為感動的瞬間
僅管音樂劇容易引發觀眾的共鳴，製作音樂劇的條件要求卻非常高，包括引人入勝的劇本、動人心絃的音樂和絕妙的唱詞，還有演、唱、舞功力兼備的演出者，以及導演對場面調度、戲劇張力的掌握等，缺一不可。動輒高成本的製作若沒有得到市場的支持，很可能大賠一場。活性界面製作創辦人陳午明驚嘆地說：「它超難！風險度高、困難度高！」

那音樂劇究竟有什麼魅力，能讓藝術家奮不顧身地投入呢？

「上輩子做錯事，才會來做音樂劇吧！」王希文自嘲地說著。但再多的困難也抵不過他對音樂劇的執迷：「原創音樂劇的製作極其挑戰，相較於發生在創作末端的電影配樂，音樂劇的音樂走在前面，然後它會跟導演、編舞、技術再去『滾』出它最後的面貌，那個過程非常的迷人。」

陳午明補充：「音樂劇是不同領域的藝術家，在製作、人力高度偶合的藝術綜合體。但當畫面、音樂、故事，所有的元素在同一時間以極高的效率和密度、大量地占據你的感官，突破某個點產生共鳴的瞬間，會讓人起雞皮疙瘩，一齣作品只要有幾個這種瞬間，就夠讓人滿足了！」

生活的縮影 深情的震撼
面對高難度的挑戰，陳午明說：「在國外市場已經驗證通過的成熟作品，無論在製作或行銷各方面，我們都能從中學習，最終習得的都會應用到我們自己創作的故事裡。」正是這股信念，讓活性界面製作今年再度取得紐約百老匯授權，製作臺灣版的英文搖滾音樂劇《近乎正常》（Next to Normal）。

《近乎正常》從一個表面幸福的家庭，深入母親與心理疾病奮鬥的過程，精采卓越的音樂獲得多項東尼獎，感人至深的人性刻劃，更讓它贏得普利茲戲劇獎的殊榮。首演十多年來，已授權歐亞澳各地上演在地版本。

或許《近乎正常》的題材不像《LPC》那麼討喜，「是比較深（澀）的題材，但音樂劇不是只有小情小愛，我想讓觀眾有接觸不同類型作品的機會。」陳午明說，「看完《近乎正常》內心受到的震動是很大的。臺灣人就算察覺心理問題也多半不願坦言，不會去跟朋友討論，但你看到西方人怎麼去覺察、處理自己的心理狀態，讓我們重新去思考說到底什麼是『正常』，是很有意義的一件事情。」

你是不是我的奇幻冒險？
相較於原版授權的《近乎正常》，瘋戲樂工作室全新製作的《怪胎》，則是由電影IP（智慧財產）授權演繹的音樂劇。

王希文說：「看完《怪胎》我們就發現這部電影有改編為音樂劇的可能。電影對兩名奇特的男女主角之間的愛情，運用了大量內心世界的剖析，有機會用音樂去表現一個不那麼寫實或有點奇幻的製作。無論電影的鏡頭剪接、轉換場景美術張力，也都有很多劇場的創意空間。」

取得IP授權只是拿到電影的故事跟人物原型，其他的80%都需要重新創作、發想。王希文說：「從題材、內容、編劇的風格、導演的手法，到這次跟『大象體操』的合作，瘋戲樂都會讓這個製作產生不同的質感。」

將數字搖滾帶到全新境界的樂團大象體操，作品充滿原創及想像力，去年發表的新專輯《夢境》尤其讓王希文驚豔：「不只是現場演奏。這次是很緊密的合作，他們會拿我寫好的歌用他們的樂器編曲。反過來，我也會挑他們專輯中適合的演奏曲來編寫人聲。」

對於《怪胎》這樣一個奇幻、黑色幽默的愛情故事，王希文說：「我自己也非常期待到最後《怪胎》會帶瘋戲樂走到哪裡，對我來說是一次很重要的創作冒險！」